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上集提到我在小學五年級立下「戲曲現代化」的志向，所謂現代化，不是加燈光布景，不是改變虛擬寫意的表演，而是劇本的情感思想要能和時代接軌，說故事的技巧也必須扣緊時代脈搏。
為了實踐這理想，我小學五年級就立志要讀臺大中文系。我們那年代沒甚麼戲劇系，我要在中文系攻讀詩詞曲，打好元雜劇、明清傳奇的基礎，實踐我的理想。
順利考上中文系，卻發現我仍很寂寞。
我是在劇場裡、從活生生的演員的演唱裡喜愛上這項藝術的，不是從書本上認識戲曲。在劇場裡我很明確感受到，凡是「人」的表演，就不可能是「博物館櫥窗」，不可能像古董像青銅像瓷器一樣固定不變。即使演的是同一齣戲，同樣的劇本，同樣的唱詞，同樣的唱腔和身段，每個人都能唱出不同的情味。即使是同一位演員，今天唱的韻味也可能和前天不一樣。
劇場的價值是「一切就在當下」，每一位演員每一次演出都是全新的。
「非物質文化遺產」的價值在這裡，戲曲不可能是完成式，更不是過去式，絕對是現在進行式，指向未來。
演員的這種追求，身為觀眾的我不可能感受不到。
後來我從事戲曲研究，更關注演員自己的說法，我仔細聽他們演講時的每一句話，發覺連崑曲演員都持這種想法。
為什麼要舉崑曲名家為例？因為崑劇比京劇還古老，崑曲是「百戲之母」，研究者最希望崑曲維持明代樣貌，明傳奇的活化石。其實崑曲演員不是這樣想的。
上崑的岳美緹老師、梁谷音老師就常常說，學者專家希望他們當活化石，他們卻有自己的新想法新體會。比崑曲年輕的京劇當然更不甘心做博物館的動態櫥窗展品。
這是我在劇場裡的感受，也是我一輩子的實踐。
（當然我知道櫥窗展品是一種至高至美的藝術價值，展品也將隨著觀賞者的感受或評析而產生新意義，但我想一般人對櫥窗展品最直接的想法應該就是固定不變。）