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各位喜愛聽戲看戲的朋友們，你們進劇場看戲了嗎？今天我進劇場看戲了，看什麼呢？就是在上個月跟大家介紹過的《武動三國》。過去的劇場可不是這樣的喔，尤其古典戲曲的生成，一部份是從神廟或祭祀祠堂而來，也就是祭祀的過程中，進行歌舞樂的演出就如同王國維先生說的：「歌舞之興，其始於古之巫乎？巫之興，蓋在上古之世。」另一個就是民間，過去在農閒之餘，以及工作告一段落時，大家都喜歡秋收後的廣場上，為成一個圓圈形成一個表演空間，演出者就在中間開始表演，這種沒有舞台的演出型態稱為「落地掃」。
後來當戲曲進入了更蓬勃的發展，進入宮廷或者是民間固定的表演場所，這種從宋代開始有了夜生活後，出現了專供藝人表演的固定場所，由於傳統戲場與寺廟的關係密切，南宋的吳自牧《東京夢梁錄》就有了「瓦舍勾欄」來稱呼專門表演百戲、雜技、歌舞的建築。有一種說法是「瓦舍」又稱「瓦子」、「瓦市、或「瓦肆」等等同於現代綜合性娛樂場所，在瓦舍範圍內設定的小場地，設有演出各種技藝的勾欄。被專指為演出場所，開始有了了戲臺，戲房（指的是後臺），神樓，腰棚（指的是看席）。
勾欄的建造外形借用了了當時寺廟戲臺的一些特點，設立戲臺和神樓，開始建造全封閉四周圍起來並且有了封頂的建築，以防演出時受風雨寒冷的影響。至於勾欄上的結構，建有表演用的高出地面的戲臺，戲臺上設有樂床。同樣後面戲房，戲房通往戲臺的通道稱為「古門道」或「鬼門道」也就是上下場門。
但是我們現在叫「劇場」，那麼劇場這個專有名稱又是怎麼出現的呢？根據王安祈老師在《明代傳奇之劇場及其藝術》一書的前言就說了：劇場，指的是演劇的場所，古典文學中有記載「場」、「戲場」、「歌場」、「優場」、「氍毹」等代表表演區域，如果按照中國戲劇史的作者周貽白所言：劇場，在英文的原文是Theatre，字源出處是指希臘文的「看」，那麼一切的戲劇、劇團、舞臺、客座，及其他戲劇各方面都可以稱之為劇場。但是從觀眾來看，戲劇演出的地點就是表演場所，那麼演員就是在這個場所中與觀眾直接面對面接觸，並且完成戲劇表演。因此我們就會稱這類演出場所就是「劇場」。
有時候我們也會使用「大劇場」、「小劇場」這兩個名詞來稱呼不同類型的演出。一般而言，大劇場的演出規模和場地較大，舞臺上的聲光效果較為絢麗，表演者也通常是較具知名度的資深演員。
好了，我們又發現了一個新名詞：「小劇場」，什麼是小劇場呢？這個詞彙源自於西方，最初指的是演出空 間較小的劇場。在臺灣現代戲劇的發展歷史中則另有獨特的意義，泛指具有前衛意識及實驗精神的劇場演出，例如：空間上打破傳統舞臺空間的觀念、內容上強調社會的批判思考等不同的做法。而小劇場的演出規模和場地較小，多半充滿了實驗與創新的特色，或許表演的內容不如大劇場的表演那麼通俗與流行，但是往往展現了年輕創作者的生命力。不論是大劇場或是小劇場，演出時，表演者和觀眾直接面對面溝通的劇場本質，都是不會改變的。而大小劇場的同步發展，也讓表演藝術既深耕於文化的精華，並開創出超越既定形式的途徑。當我們欣賞這些演出時，可以留意其中所運用的手法和表演的內容，結合了哪些來自不同領域或文化的要素。
不論是傳統戲曲或現代戲劇，大劇場或小劇場，以成人觀眾為主或兒童劇場，在觀賞戲劇表演時，最先吸引觀眾的，多半是高潮迭起的戲劇故事，劇作家透過情節的安排，為觀眾創造了想像的舞臺世界。
從劇場出發，我們重新來看待中國戲曲，戲曲就和西方的歌劇偏重音樂，舞劇偏重舞蹈不同，古典戲曲是結合歌舞二者，美化舞台語言和動作，演出故事，一方面表達人物的思想感情，一方面運用情節的穿插變化，並且利用代言體形式，傳遞角色人物的內在心理轉折。
任何一種藝術，由起源到成熟，都有段漫長的演變過程。我國的戲劇當然也不例外，概括的說；起源於古代的歌舞，形成於西漢的百戲，萌芽於唐代的歌樂與表演，形成於宋元的雜劇與南戲，完全成熟於明代的傳奇。等到崑腔興盛，益臻完美。又溶合弋陽腔、秦腔、徽調、皮黃等戲劇的長處於一爐，鍛鍊成至今仍流行不衰，且足以代表國家傳統戲劇的戲劇。
「故事」是戲劇所表現的內容，包含了「人、事、時、地」這四項重要的元素，換句話說，我們看戲的時候，必須了解的是：什麼人物，在何時、何地，發生了什麼事情？這故事可能是由真人或各種不同的「偶」作為演員，進行表演，不論真人或偶，運用聲音表情和動作姿態來表演故事都是相同的。
欣賞戲劇演出時，可以盡情享受戲劇故事帶給我們的樂趣，欣賞之後，不妨想一想：為什麼劇中人物會說這樣的話、會發生這些事情？為何創作者要如此安排？故事中的環境和我們身處的社會，或我們的經歷有什麼相異之處？創作者要藉著這個故事告訴我們什麼事？若自己遇到相同情況，會有什麼反應？當我們深入的思考上述問題時，便更能體會故事中所傳達的意義，更能從欣賞中獲得感動與啟發。
所以一般戲曲演出就會以敘述故事為主軸，這類戲劇內容稱為「敘事性的」戲劇，其實另外還有一種就是「非敘事性的」戲劇作品，就是打破故事基本結構，不再以情節為中心，也不則不以說故事為重，甚至沒有故事，更是劇團中編劇、導演、演員以抽象的意象與想法，通過劇場來傳遞。
一般而言，戲劇的表演有一部分是透過演員的聲音表情來表現，除了嘆氣、笑聲、哭聲等「非語言」的聲音之外，我們多半會使用語言來表達意義，在戲劇中便是劇中人物所說的話。根據所扮演人物的性格、身分、年齡等，演員運用語氣、重音等聲音強調的方法來表現語言的意義，藉此在舞臺上創造出讓觀眾信以為真的人物形象。
除了對話式的語言之外，戲劇中還包括了獨白和旁白兩種不同的語言形式。「獨白」是指角色自言自語的說話方式，將內心的感受直接說出來；而「旁白」則是演員跳脫角色身分，以旁觀者的角度，直接面對觀眾說話。旁白的作用通常是為了輔助說明戲劇中的情境，可說是另一種「講故事」的方式。表演者口齒是否清晰、音量是否適中、是否能夠傳達正確情感和意思，都成為表演是否成功的重要因素。
中國傳統戲曲中，丑角往往會在演出中，突然跳脫角色的身分，直接以演員的身分面對觀眾開玩笑，或是劇中人物舉起一隻手，遮住同臺演出的其他角色，面對觀眾說出心裡的話，這些都是一種旁白的表現，戲曲的術語稱為「背供式」，俗稱「打背供」。其實在西方古典時代也有這樣的形式，但是他們所採取的方式讓劇中人物面對觀眾說話部分，就是屬於旁白的語言形式。
人類表達個人意思的方式不僅僅是聲音而已，另外一個全世界共通的表意方式便是肢體動作，廣義上來看，「動作」也是一種另類的「語言」，因為每一個人都有不同的動作習慣，透過演員模擬劇中人物所展現的動作，我們便可以認識劇中人物的特質。不論是舞臺上或是生活中，我們通常會運用許多小動作來傳達意義，例如：搖頭、點頭、踏腳、打呵欠、摸鼻子等，都可能洩露人物內心的狀態。在欣賞戲劇時，當我們對某些部分特別有感受，可能就是受到聲音表情與動作姿態的感染呢！
還有一種被稱為「前衛劇場」(avant-garde theatre)的舞臺作品，不但沒有故事，有時也沒有語言，這種演出的肢體動作不像不再僅是以肢體動作表達戲劇語言，也不事項舞蹈講究身體線條和節奏的美感。在觀賞作品中，是我們的身體感官直接去感受舞臺視覺和聽覺所表現的美感，同時需要一些相關的知識背景，更需要從自身生活的經驗中去尋找和作品相通的共鳴，才能「感覺」到作品中所表達的抽象意義。
當舞臺的大幕開啟之後，身為觀眾的我們，除了透過演員的語言和肢體的表演，理解戲劇故事之外，還可以透過舞臺的布景和道具，確定戲劇的環境背景；透過服裝造形的巧妙妝扮，認識出現在舞臺上的古今中外各種人物；透過燈光的明暗和色彩，體會日夜和季節的時序變化。所有的線條、色彩和造形，建立了舞臺的想像世界，搭起通往戲劇世界的橋樑。
另一方面，透過音樂的旋律和節奏，除了豐富我們的聽覺享受之外，更可以讓我們的情緒為之興奮或受到感動；而配合戲劇情節所設計的各種音效，有時模擬了真實世界的環境聲音，有時傳達了緊張、恐怖或是滑稽的心理反應。
當今臺灣的劇場表演中，有時候也會運用幻燈投影或是影片播放的技術，將預先拍攝或錄製好的影像投射在舞臺上，這些影像有時候暗示了場景，具有布景的功能，有時候則是抽象意義的傳達，引導我們探索創作者所想表達的絃外之音，這些都是幫助我們欣賞表演的重要媒介。
戲劇演出者在劇場中的創意表現和持續的努力，讓我們的生活增添了許多藝術的氣息，也豐富了我們的生命經驗。除了課堂中的欣賞之外，在閒暇時別忘了邀請朋友或家人，親自走進劇場，在幕啟、燈亮的剎那間，享受表演藝術所帶給我們的歡笑和感動喔！